Eloge de la matérialité : la sculpture au service de l’architecture

Béranger Bégin – ACCRA (UR3402)

Biographie

Béranger Bégin, docteur en architecture et artiste-plasticien est actuellement attaché temporaire d’enseignement et de recherche à l’université de Strasbourg, au sein de la faculté des arts visuels. Il intervient également en tant qu’enseignant dans les Ecoles Nationales Supérieures d’Architecture de Strasbourg et de Nancy ainsi qu’à L’Institut Supérieur des Arts Appliqués de Strasbourg. 
Ses recherches, qu’il mène au laboratoire ACCRA (UR3402), traitent des interactions entre les arts plastiques et l’architecture.

• L’architecture : une discipline plastique et matérielle

○ La dématérialisation du processus de conception architectural.

Depuis la naissance des arts, architecture et arts-plastiques s’enrichissent mutuellement. Nous prenons toujours volontiers les architectes-artistes de la Renaissance comme l’archétype du potentiel pluridisciplinaire voire transdisciplinaire. Michel-Ange est un des exemples d’artistes-sculpteurs, architectes… les plus connus et polyvalents. Or, bien qu’il y ait depuis cette époque de nombreuses autres périodes où les interactions entre arts-plastiques et architecture soient réelles, nous assistons à une spécialisation de l’architecture comme profession. Cette dynamique de spécialisation est d’autant plus importante dès lors que nos sociétés sont entrées dans un système dont les principes fondamentaux sont la croissance, le rendement, la rentabilité, la productivité, la division du travail… Ce dernier principe, plus que les autres, est à l’origine de l’isolement progressif de l’architecture vis à vis des autres disciplines artistiques. Les plasticiens d’un côté, les architectes de l’autre, les designers, les scénographes, les paysagistes, les urbanistes… esquissent leurs propres voies, ceci au détriment d’une réflexion artistique transdisciplinaire. Dans les études d’architecture, les ateliers d’arts plastiques et donc de sculpture (de « volume ») n’échappent pas à cette dynamique de spécialisation professionnelle : l’optimisation constante de la conception architecturale. Cela se traduit par une utilisation accrue des outils de conception numérique et tend vers une dématérialisation progressive de la conception architecturale, vers une perte de l’expérience matérielle et du savoir-faire manuel.

Dans les écoles d’architecture, les arts plastiques perdent de leur importance au profit, entre-autres, des outils de conception numérique, car l’enseignement de l’architecture « doit se rapprocher de la réalité du métier »^[1].

Dans un monde qui tend à se dématérialiser, ne vaut-il pas mieux compenser ce défaut de matérialité par une expérience plus intense de la matière ?

○ L’expérimentation manuelle à l’heure de la dématérialisation du processus de conception architecturale.

Cette spécialisation architecturale s’inscrit dans une société tournée vers l’esprit et le raisonnement où l’on perd progressivement l’usage ou, du moins, la finesse et la maîtrise de nos sens voire des savoir-faire. La mécanisation des procédés de fabrication et la dématérialisation des processus de conception nous privent souvent du rapport sensoriel à l’œuvre. Ils nous privent de ce besoin de manipuler qui est essentiel à la compréhension, essentiel au développement d’une intelligence constructive : ce besoin de démonter, fabriquer, ou manipuler un objet, une œuvre, pour en acquérir sa pleine connaissance. Au contraire, l’enseignement à l’image de notre société, nous enferme dans l’abstraction du raisonnement et dévalorise l’expérience subjective et corporelle. Le raisonnement abstrait a pourtant besoin de repères concrets qui jalonnent, appliquent, mettent à l’épreuve, vérifient ou confirment certaines idées dans l’optique de construire une pensée.

Comment concevoir des espaces habités par des humains, des êtres corporels et sensoriels, si le concepteur lui-même n’a pas conscience de l’importance de cette sensibilité corporelle ? Comment concevoir un espace architectural de qualité si l’architecte lui-même n’a pas de sensibilité plastique et matérielle ?

• La sculpture envisagée comme une expérimentation matérielle en agence ou à l’école d’architecture.

○ La sculpture : une mise en œuvre pratique de la matière.

Les artistes-architectes qui se tournent vers l’expérimentation manuelle, à travers la pratique de la sculpture, témoignent de cette sensibilité. Ils témoignent d’une volonté de se réapproprier la maîtrise d’un savoir-faire, de matériaux et de leur mise en œuvre : d’une envie de manipuler, et peut-être d’accorder davantage d’importance à une approche intuitive.

Henri Focillon et Juhani Pallasmaa, dans leur ouvrage Eloge de la main (1934) et La main qui pense (2013), démontrent l’importance de l’expérience sensorielle, corporelle et manuelle dans la conception artistique.

L’expérience incarnée^[2] apporte une touche d’humanité, de spontanéité, d’honnêteté, une forme d’unicité que la standardisation et l’informatisation tendent à faire disparaître en architecture. La manipulation régule la déconnexion physique et matérielle qui s’opère actuellement. La materia est un concept similaire, cher à l’architecte-artiste-designer Alvar Aalto. Elle est ce qui lie les différentes disciplines plastiques : la rencontre entre l’idée et la matière ; l’expérimentation du matériau, sa mise en forme. Les mots, l’intellect sont ce qui influencent le plus immédiatement l’Homme, écrit-il mais « la matière lui parle lentement ».

L’enseignement des fondamentaux en architecture, passe par une appréhension des matériaux et du volume. Si un art plastique en particulier est en mesure d’explorer ces aspects, il s’agit de la sculpture. En école d’architecture, la pratique de la sculpture contribue à l’expérimentation sensorielle, manuelle et maintient ce lien essentiel avec la matière. En premier cycle elle permet également de développer une vision dans l’espace, de travailler en volume. En master, elle offre la possibilité d’affirmer une signature : une identité plastique et conceptuelle. Les architectes qui la pratiquent développent une sensibilité particulière, un savoir-faire, en se spécialisant dans l’emploi d’un matériau ou d’une technique spécifique.

Au Bauhaus, l’expérimentation et la découverte des propriétés plastiques des matériaux, voire de leurs associations, constituaient l’un des cours fondamentaux « préliminaires », dirigé, notamment, par Josef Albers. Il proposait, entre-autres, à ses étudiants de manipuler les matériaux sans outils afin qu’ils en découvrent leurs propriétés tactiles. Selon lui, la connaissance des matériaux s’acquiert dans l’exploration de leurs limites. C’est au Black Mountain College, aux Etats-Unis, qu’il poursuit ces expériences : une école fondée sur les théories pédagogiques du « Learning by doing » de John Dewey et John Andrew Rice, elles-mêmes héritées de Maria Montessori et Georg Kerschensteiner.

Ainsi la pratique de la sculpture permet aux architectes de découvrir, de se familiariser avec :

-les propriétés physiques des matériaux, tels que leur poids, leur résistance… afin d’étoffer leurs expériences et connaissances techniques.

-les propriétés plastiques des matériaux, comme leurs formes, textures, leurs couleurs… (en référence à la poïétique de l’art que développe Paul Valéry et René Passeron).

-les propriétés « psychologiques » des matériaux. En d’autres termes, les effets qu’ils créent sur le spectateur, les manières dont ils sont perçus dans l’inconscient collectif (en référence aux sculptures de Josef Beuys ou aux peintures de Johannes Itten pour son travail sur la couleur).

-les manières de travailler ces matériaux. Les étudiants se familiarisent avec les outils qui servent à leur mise en forme.

○ La sculpture : une pratique émancipatrice.

L’expérience subjective et l’approche sensible, aujourd’hui dévalorisées dans notre système professionnel et éducatif, constituent une part essentielle de la création artistique. La pratique de la sculpture, et de l’art de manière plus générale, apporte à l’architecte cette sensibilité artistique, cette dimension poétique, sociale et humaine qui manque trop souvent aux espaces lisses et aseptisés de l’architecture contemporaine standardisée.

La pratique « libre » des arts plastiques, et donc la sculpture, permet, selon Michael Siebenbrodt et Lutz Schöbe, d’acquérir une « connaissance des bases et des règles de la création artistique qui libéreraient la créativité »^[3]. En d’autres termes, elles permettent d’explorer des caractéristiques plastiques présentes en architecture (volume, lumière, matière, texture, forme, composition…) : elle rend ces expériences accessibles avec spontanéité et intuition. Dans les agences ou les écoles d’architecture, elle limite les tentatives excessivement rationnelles et planificatrices des architectes ; elle conteste les pouvoirs et dominations dont l’architecture ne parvient pas à s’émanciper. La sculpture est un lieu d’expression qui, a priori, ne répond pas aux mêmes exigences sociales et économiques que l’architecture. En école d’architecture, la pratique de la sculpture permet donc de créer des œuvres ayant des résultantes plastiques, sans qu’elles ne soient centrées sur une fonction.

L’architecture ne peut se contenter d’une recherche d’expression formelle libre de toute fonction (ou dans de rares occasions). Il en est de même pour le projet architectural : les libertés sont restreintes par les contingences naturelles, structurelles, programmatiques, financières… de l’architecture qui tendent à limiter l’expérimentation plastique. Les arts plastiques libèrent les étudiants de ces contingences.

L’étude comparée des formes sculpturales et architecturales témoigne de la richesse de la liberté du sculpteur. Globalement, si le langage formel de l’architecture est souvent géométrique, orthonormé, modulaire… celui de la sculpture est plus libre, organique voire chaotique. Les sculptures habitacles d’André Bloc, la cité spirituelle de Pierre Székely, la Closerie Falbala de Jean Dubuffet (pour les années 60-70)et plus tard du jardin des tarots de Niki de Saint Phalle ou encore de l’absence de Joep van Lieshout (dans les années 2000) … constituent une typologie architecturale à part entière : identifiée comme « architecture-sculpture ». Cette « étiquette » illustre l’idée de liberté que l’on associe à la sculpture.  

○ La sculpture, une temporalité qui favorise l’expérimentation.

La sculpture offre un autre avantage sur l’architecture : sa temporalité de production. Elle permet une mise en œuvre quasi immédiate des idées. En architecture un certain temps peut s’écouler entre la conception architecturale et la fabrication. La dimension et les moyens nécessaires à l’édification n’offrent pas la spontanéité de la réalisation d’une sculpture. La fabrication d’une sculpture est plus intuitive car la réflexion est engagée en même temps que sa réalisation.

C’est cet aspect qui intéresse Santiago Calatrava, Zaha Hadid, Frank Gehry ou encore Alvar Aalto[4], pour ne citer qu’eux. Les sculptures d’Alvar Aalto, par exemple, lui permettent, d’expérimenter intuitivement, formellement et structurellement le bois lamellé-collé. Ses recherches et expérimentations lui offrent les moyens de mettre rapidement en œuvre ses idées qui influencent, par la suite, son mobilier puis ses charpentes.

L’œuvre architecturale de Santiago Calatrava est elle-aussi indissociable de sa pratique de sculpteur et de plasticien. Son architecture découle directement de ses expérimentations sculpturales et picturales. On retrouve chez lui l’approche pluridisciplinaire des artistes-architectes renaissants : par sa démarche analytique de l’anatomie et à travers les concepts plastiques qu’il développe.

Santiago Calatrava trouve dans l’anatomie des systèmes structurels et des harmonies formelles qu’il analyse et observe à travers ses dessins, qu’il traduit et expérimente dans ses sculptures. Son architecture suit la leçon de ces études anatomiques : de l’œil pour la gare Saint-Exupéry à Lyon, de la tête et de ses mouvements multidirectionnels pour sa sculpture au cube noir suspendu. De ses analyses de la colonne vertébrale et de ses torsions, il réalisera une sculpture dont les cubes représentent le mouvement des vertèbres. Le corps représente pour lui harmonie et sensualité ; l’anatomie, une lecture des structures du corps humain. Elle était déjà largement étudiée à la Renaissance, mais Santiago Calatrava nous rappelle que pour les avant-gardes modernes, elle fait aussi l’objet de « la base des règles et des systèmes de proportion »^[5] avec le modulor.

Si Santiago Calatrava aborde l’architecture en tant que plasticien, il l’aborde également en tant qu’ingénieur. Cette approche se reflète dans ses sculptures. Celles-ci lui permettent d’expérimenter les rapports de forces qu’il met en pratique dans ses architectures. Son pont de l’Alamillo à Séville illustre architecturalement une application de ses recherches structurelles sculpturales. Ses sculptures expérimentent et illustrent des forces « cristallisées », c’est à dire un instant d’équilibre. C’est l’échelle qui différencie ses sculptures de son architecture.

La sculpture est une pratique qui lui offre une liberté que les contingences architecturales ne permettent pas toujours :

« Le champ artistique ouvre une multitude de possibles interdits par les règles traditionnelles et quotidiennes du fonctionnement de notre société. »^[6]

Santiago Calatrava

Santiago Calatrava attache une grande importance à la plastique de la mise en œuvre des matériaux. En référence à la peinture, le « pintoresque » est un thème qui lui tient particulièrement à cœur : il s’agit des variations plastiques d’un même matériau obtenue par ses différentes mises en œuvre. Un traitement, une mise en œuvre particulière permettent d’obtenir divers résultats à partir du même matériau : le premier basique, étant ses caractéristiques plastiques brutes. Il donne par exemple une forme et une matérialité singulière (sinusoïdale) à la tôle ondulée pour son projet d’entrepôt d’Ernsting. Afin de créer une plastique singulière Santiago Calatrava se raconte généralement une histoire. Pour ce projet d’entrepôt, le traitement des tôles ondulées lui rappelle les camions qui entrent et ressortent de la bouche d’une baleine : le thème de l’avalement. C’est avec cette métaphore, à priori simple, qu’il engage sa réflexion et qu’elle trouve toute sa complexité. Avec ces histoires, il passe du « pintoresque » au textuel et donne vie à l’ensemble.

« Il est important de reconnaître l’existence dans le phénomène de l’architecture son aspect purement plastique ou sculptural. Ceci ne s’oppose pas à ses aspects fonctionnels ou structurels. »^[7]

Santiago Calatrava

Paul Valéry, Henri Focillon, René Passeron et Yona Friedman vantent les vertus de l’expérimentation manuelle : « le processus de recherche constructive, […] le processus chercheur du tâtonnement, le doute méthodique ».^[8] La main renouvelle notre imaginaire. Pour Henri Focillon elle exploite autant son adresse (sa dextérité) que son imprécision (l’imprévisible) : 

« La main semble bondir en liberté et se délecter de son adresse : elle exploite avec une sécurité inouïe les ressources d’une longue science, mais elle exploite aussi cet imprévisible, qui est en dehors du champ de l’esprit, l’accident »^[9].

Henri Focillon

Frank Gehry, architecte-sculpteur contemporain, adopte cette démarche expérimentale. Une des premières scènes du documentaire Esquisse de Frank Gehry^[10] illustre ce processus. Frank Gehry et son collaborateur Craig Webb travaillent les volumes de leur maquette telle une sculpture : ils expérimentent, se « cassent la tête », déplacent un volume, en ajoutent un autre, en suppriment un pour le remplacer par deux plus petits, se tournent vers une solution antérieure, reprennent tout à zéro… Ils jugent intuitivement, tâtonnent littéralement, hésitent, procèdent par essais-erreurs, modifient de nouveau… Le projet se métamorphose, il porte en lui l’accumulation, la superposition des essais. Un des commanditaires de Frank Gehry témoigne : 

« On parle, il absorbe tout ce qui se passe dans la pièce. Il travaille sur les maquettes, n’arrête pas de les tripoter…, de déchirer ci ou ça. C’est presque du modelage, un travail de l’argile. C’est une démarche très créatrice. »^[11]

Barry Diller, Président d’IAC Interactive et client de Frank Gehry.

Frank Gehry privilégie le travail manuel aux outils dématérialisés qu’il utilise à posteriori : pour scanner en trois dimensions ses maquettes-sculptures. L’immense atelier de l’agence en témoigne. Il dit lui-même « bricoler » et s’identifie plus aux artistes qu’aux architectes de son époque.

Les architectes contemporains cités se tournent vers la pratique de la sculpture pour effectuer leurs recherches artistiques. Ce medium leur permet d’expérimenter la volumétrie, la matérialité, les propriétés plastiques, physiques et structurelles des matériaux, le jeu et le comportement de la lumière dans l’espace, l’action des forces structurelles…

Les réalisations de ces architectes reflètent leur expérience de sculpteur : d’une aisance à « modeler » l’espace à la manière qu’ils modèlent la matière. Les sculpteurs qui se tournent vers l’architecture ont naturellement cette approche manuelle, comme en témoigne la singularité matérielle et plastique de leurs réalisations. C’est notamment le cas du Jardin des Tarots de Niki De Saint Phalle, du Palais Idéal du Facteur Cheval, des Cellules d’Absalon, des Sculptures (-Architectures) monumentales d’André Bloc, de l’Absence, de la Slave City de Joep van Lieshout, voire de l’Hundertwasserhaus de Friedensreich Hundertwasser…

Enfin, certaines œuvres nous interrogent sur les limites disciplinaires qui distinguent l’architecture de la sculpture. En effet, lorsque l’architecture fait l’objet d’une recherche formelle singulière et qu’elle perd son rôle utilitaire, elle tend à se confondre avec la sculpture. Sou Fujimoto, par exemple, est un architecte qui construit des œuvres hybrides (entre sculptures et architectures) qui oscillent entre éléments purement plastiques, libres (qui n’ont aucune vocation utilitaire) et usage, fonctionnalité. Ceci nous amène à considérer et à questionner les typologies architecturales du pavillon et de l’installation en tant que performance : en tant qu’approche artistique et sculpturale de l’architecture. C’est le cas des pavillons construits pour les festivals, du Burning Man, du Hadra Trance Festival, du Tomorrowland ou encore du Festival des Cabanes, où l’on retrouve des collectifs de jeunes architectes tels que Bellastock, Hobo… ou d’autres plus connus, comme les Arteplages de l’Expo.02 à Yverdon-les-Bains, Neuchâtel, Bienne et Morat conçues par des architectes de renommée, tels que Coop Himelb(l)au, Jean Nouvel… à l’image des pavillons éphémères des différentes expositions universelles.

• Vers une dématérialisation de la sculpture ?

○ Potentiel de la rencontre entre sculpture et technologies

Ainsi, si nous encourageons la pratique manuelle de l’architecture à travers une expérience de la sculpture, nous sommes conscients qu’actuellement dans une société qui ne cesse de se dématérialiser, il serait utopique d’imaginer un retour aux pratiques manuelles, voire même, de limiter l’usage des outils de conception numérique. Ces outils offrent de nombreuses possibilités, une assistance et un gain de temps non négligeable dans les milieux professionnels.

Cependant l’expérience et la pratique de la sculpture pourraient nous permettre de subvertir ces outils numériques et ainsi tendre vers une pratique plus intuitive, sensible, moins contrainte. Car ces outils, peuvent à l’école comme en agence devenir asservissants, surtout lorsqu’ils ne sont pas maîtrisés. Par la subversion de la DAO, certains artistes ont donné naissance à des séries d’œuvres d’arts (Chamberworks et Micromegas Likeage, par exemple) particulièrement intéressantes du point de vue architectural. Dans les années 80, Daniel Libeskind déconstruisait l’esthétique architecturale, en déconstruisant l’usage de la DAO : le style Déconstructiviste en émane. Il s’agit ici d’un exemple singulier mais c’est dans cette idée, qu’il semble que la sculpture est le medium artistique le plus à même de subvertir les futurs outils de conception architecturale : la réalité virtuelle.

En effet, les outils de conception 3D actuellement employés en architecture, tels que Sketchup, 3DS Max, Rhino, Blender, Unreal Engine… proposent de réaliser facilement et rapidement les volumes d’œuvres, d’objets ou d’espaces, mais sur un écran plat (en deux dimensions) à la différence de la sculpture. Les casques de réalité virtuelle offrent quant à eux la possibilité de créer directement, en trois dimensions, avec l’intuitivité et la spontanéité de la main (grâce aux contrôleurs) des réalisations qui permettent de se mouvoir et de se projeter physiquement dans un espace immersif : ils offrent la possibilité de « sculpter » très rapidement, sans la « contrainte » de la matière et de ses propriétés physiques.^[12] Cet espace virtuel ne répondant pas aux lois de la physique ouvre de nouvelles pistes à explorer en termes de sculpture, de volume et d’espace.

Pour le moment, ces outils ne proposent que d’explorer des volumes / espaces à la manière d’une esquisse et n’offrent pas la technicité nécessaire aux documents de rendus architecturaux, telle qu’on la trouve avec les logiciels communément utilisés dans les agences d’architecture (Revit, Archicad, Vectorworks, Autocad…). Ces outils « professionnels » nous permettent cependant de nous projeter dans l’espace en intégrant la réalité virtuelle. Même si ces expériences sont pour le moment « passives »^[13], nous pouvons imaginer que ces outils, qui sont encore au stade expérimental, verront le jour d’ici quelques années : ils proposeront très certainement de concevoir directement une architecture dans un espace virtuel. Ce jour rapprochera encore davantage le travail de l’architecte de celui du sculpteur.

Ces nouveaux outils nous amènent donc à reconsidérer le potentiel du sculpteur vis-à-vis de l’architecture. Comment cette pratique pourrait-elle contribuer à la subversion des outils de conception numérique ? Comment pourrait-elle participer à la réappropriation de ces outils ? Comment pourrait-elle leur conférer une dimension sensible et expérimentale, tout en les rendant moins contraignants ?

Le designer Tappio Wirkkala, de la même manière que l’artiste Joseph Beuys prête au travail manuel des vertus thérapeutiques. A travers ses sculptures sociales, il cherche à guérir la société de ses maux, à réconcilier l’inconciliable. Dans cette idée, pourrait-on prêter à la pratique de la sculpture, plus précisément à sa dimension manuelle, corporelle, volumétrique, spatiale, une vertu thérapeutique : celle de réconcilier le monde corporel et le monde dématérialisé ? 

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[1] Recommandations de Thierry van de Wyngaert, président de l’académie d’architecture en 2013, propos      relevés dans : Boris Proulx, « Enseignement de l’architecture : des changements en vue » in L’Obs, 24 mai 2013.

[2] L’expérience incarnée est un concept développé par l’architecte Juhani Pallasma : il s’agit d’un savoir profond et existentiel indépendant de l’esprit. Il est relatif au corps, à la chaire et à la main. Proche du réflexe, il est intuitif et ne s’acquiert que par l’expérience.

[3] Michael Siebenbrodt et Lutz Schöbe, Bauhaus, New York, Parkstone international, 2009, p. 217

[4] Bien que cet architecte soit du XXème siècle, il constitue un exemple d’enrichissement interdisciplinaire pertinent.

[5] Santiago Calatrava, Force, mouvement, forme : entretiens, Marseille, Éditions Parenthèses, 2016, p. 64

[6] Ibid., p.29

[7] Ibid.

[8] Sylvie Boulanger, Marie-Ange Brayer, Caroline Cros et Jean-Philippe Vassal, Blvd Garibaldi variations sur Yona Friedman, Paris, A.P.R.E.S. éditions., 2014, p. 27.

[9] Henri Focillon, Éloge de la main, Paris, Presses Universitaires de France, 1934, p. 13.

[10] Sydney Pollack [réalisateur] et Frank Owen Gehry [acteur], Esquisses de Frank Gehry [documentaire], Paris, Pathé distribution, 2007, 83’.

[11] Ibid., 60′.

[12] Les logiciels Tilt Brush et Gravity Sketch

[13] Ces outils ne nous permettent pas de modifier l’espace depuis cette réalité virtuelle

• Bibliographie sélective

○ Livres

BEGIN, Béranger, L’influence des arts plastiques sur la pratique architecturale contemporaine, 2021, 455p.
https://publication-theses.unistra.fr/public/theses_doctorat/2021/BEGIN_Beranger_2021_ED519.pdf

BOULANGER Sylvie, BRAYER Marie-Ange, CROS Caroline et VASSAL Jean-Philippe, Blvd Garibaldi variations sur Yona Friedman, A.P.R.E.S. éditions, 2014, 117 p.

BRAYER Marie-Ange, ESQUIEU Véronique et LABEDADE Nadine, Art et architecture, Orléans, Centre régional de documentation pédagogique, 2000, 304 p.

CALATRAVA Santiago et BOSSER Jacques, Force, mouvement, forme : entretiens, Marseille, Editions Parenthèses, 2016, 91 p.

PANAZOL Jean-Marie et al., Architecture Sculpture, Orléans, HYX, 2008, 112 p.

FOCILLON Henri, Éloge de la main, Paris, Presses Universitaires de France, 1934, 18 p.

FIEDLER Jeannine et ACKERMANN Ute, Bauhaus, Paris, Éditions Place des Victoires, 2006, 639p.

MACEL Christine, Une histoire : art, architecture, design, des années 1980 à nos jours, Flammarion, 2014, 287 p.

PALLASMAA Juhani, La main qui pense, Arles, Actes sud, 2013, 151 p.

PASSERON René, Pour une philosophie de la création, Paris, Éditions Klincksieck, 1989, 251 p.

VIALA Laurent et DOUSSON Lambert, Art, Architecture, Recherche. Regards croisés sur les processus de création., Montpellier, Editions de l’Espérou, 2016, 128 p.

○ Articles

KENNETH Frampton, « Vers un régionalisme critique : pour une architecture de la résistance » in Art, Architecture, Recherche : Regards croisés sur les processus de création, Montpellier, Éditions de l’Espérou, ENSAM, 2016, p. 128

BRAYER Marie-Ange, « Art et architecture : une pratique transversale », Vitry-sur- Seine, MAC/VAL, 2007.

PROULX Boris, « Enseignement de l’architecture : des changements en vue » [article en ligne], in L’Obs, le 17 mai 2013.
Url:http://tempsreel.nouvelobs.com/education/20130517.OBS9611/enseignement-de-l-architecture-des-changements-en-vue.html

○ Conférence / documentaire

COHEN Jean-Louis, L’invention de Franck Gehry [conférence], ENSA Strasbourg, 22.05.2018, 92’.
Url : https://www.youtube.com/watch?v=zaO25G8rBbA

POLLACK Sydney [réalisateur] et GEHRY Frank Owen [acteur], Esquisses de Frank Gehry [documentaire], Pathé distribution – Fox Pathé Europa, 2007, 83’.

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